hiroshima mon amour (1958)

Durante i primi 10 minuti del film sono rimasto come allibito. Non si sa chi sono i corpi che si abbracciano, né perché né per come. Si rimane semplicemente incantati dalla bellezza, dal nitore, dall’intensità e dalla perfezione delle immagini. Lo scorrere lento e posato, le parole chiare ed essenziali e subito il tema bruciante della distruzione e della memoria. “Ho visto” – “No, non hai visto niente” e dietro una carrellata di immagini da foto e da filmati della distruzione nucleare di Hiroshima e dello strazio della gente. Insieme a queste immagini scorrono anche quelle del presente, di una città che è sorta più attiva e sfavillante di prima, creando contrasto stridente. A completare la sensazione profondissima che si crea nello spettatore, come sottofondo suona una musica incantevole oppure un suggestivo silenzio. Mai film è riuscito a infondere tanta sospensione, tanta magia, tanta impressione e riflessione.
Quest’atmosfera incantata, sospesa, prosegue per tutto il film dandogli quasi un andamento astratto, da riflessione filosofico-spirituale, grazie semplicemente alla potenza dell’immagine e del suono. Il tema del film si rivela essere quello molto profondo della memoria, di come gli avvenimenti spiacevoli e drammatici vengano piano piano assorbiti e poi quasi cancellati, buttati in un angolino della memoria e quasi dimenticati. La vita prosegue. Ecco però che i fatti potrebbero accadere di nuovo e solo riportando a galla la memoria si potrebbe (condizionale!) evitare che si ripetano.
Nel film il discorso, che era partito su di un piano storico, prosegue su di un piano esistenziale e sentimentale. Si tratta però di una trasformazione metaforica del tema. I due protagonisti non hanno nome, si chiamano fra di loro con un nome di città (Hiroshima e Nevers), diventano il simbolo delle distruzioni che opera la guerra, quella materiale estrema di Hiroshima e quella interiore e amorosa (non meno drammatica) di una ragazza innamorata della persona sbagliata.
I personaggi sono perciò contenitori vivi e sofferenti del concetto di conflitto (storico e interiore) che deriva dalla necessità di rimuovere, per continuare a vivere. Infatti non viene mostrato niente della loro vita normale (hanno famiglia, figli, lavoro). Ci si concentra solo e semplicemente sul loro conflitto interiore. La loro storia all’inizio prende l’aspetto di un dolce incontro amoroso riflessivo ed è espressa in modo molto affascinante e intenso. Si sente e si capisce la loro intesa amorosa. Poi, con il proseguimento della storia diventa più qualcosa di astratto e simbolico e si perde un po’ la corrispondenza emotiva con i personaggi. Dall’emozione si passa all’ossessione. Qui la storia si avvita un po’ su stessa e assume toni a volte melodrammatici. L’impossibilità sentimentale (e pratica?) di un nuovo rapporto, il parallelismo e l’identificazione con il passato, la sofferta constatazione che la storia (politica e amorosa) è destinata in eterno a ripetersi o almeno a non risolversi, colora malinconicamente la fine del film.
Quello che però fa di quest’opera qualcosa di unico è la tecnica cinematografica. L’essenzialità e la pienezza di significato delle immagini è qualcosa che colpisce ed emoziona ad ogni inquadratura. Si vede il debito di Resnais verso i grandi documentaristi Flaherty e Ivens. Si sente però soprattutto l’influenza di Dreyer. Le inquadrature pulite, nitide, essenziali, lo scorrere dolce, il disporsi dei personaggi e degli oggetti in maniera significativa e naturale allo stesso tempo, sembra presa di peso da “Giovanna d’Arco”, “Dies Irae” o “Ordet”. L’effetto incantatore è lo stesso. Che meraviglia artistica e cinematografica questo film !!!